lunes, 16 de abril de 2018

Museo CYDT



La Colección de Arte Cantú Y de Teresa
Esta presente en muchas de las grandes exposiciones promovidas por el salón de la Plástica Mexicana , este 2018 no es la excepción
Y presenta una gran selección de temas Indígenas que engrandecen y reconocen a los maestros que formaron la Escuela Mexicana de Pintura y Escultura : Jean Charlot , Federico Cantú, Diego Rivera, Luis Ortiz Monasterio y Carlos Mérida , todos grandes maestros que dejaron un gran legado de nuestro México

Como es de su conocimiento, estamos llevando una serie de actividades en torno a la muestra La estética del indigenismo.





Por tal motivo, los invitamos cordialmente a las siguientes actividades:

  • Miércoles 18 de abril a las 10:45 h. Mesa redonda Miradas a la estética del indigenismo, a cargo de los Centros de Investigación del INBA


  • Sábado  21 de abril a las 18 h. Conferencia magistral Música e instrumentos musicales en las culturas indígenas de México. Resistencia y cambio. Impartida por Guillermo Contreras, Investigador del CENIDIM-INBA y profesor de la FaM-UNAM.


  • Domingo 22 de abril a las 18 h. Conferencias: Para llegar al Mictlán hay que jugar y Juegos y fiestas de origen prehispánico.






domingo, 8 de abril de 2018

Museo CYDT




Con gran cariño a uno de los tantos olivados de la Escuela Mexicana


He pasado casi toda mi vida viviendo dentro y fuera de la Escuela Mexicana de Pintura y Escultura, en casa me enseñaron a entender y degustar a todos estos grandes maestro que se dieron cita recién inaugurado el pasado siglo XX.



Mi abuelo, que había crecido en Texas ingreso a la Escuela al Aire Libre de Coyoacán en 1922, aquella que dirigía Alfredo Ramos Martínez, es ahí donde Federico Cantú Y Luis Ortiz Monasterio inician una amistad a prueba de egos y visiones estéticas. Primeramente y en un breve respiro de la década que pasara Cantú en Montparnasse 1924-1934  , el joven matrimonio Monasterio : Anita y Luis y el matrimonio Cantú: Federico y Luz , ambos viven la emoción de la juventud viviendo en Los Ángeles California entre 1928-1930 .
Como es de esperarse la depresión del 1929 cambiara el curso y las metas de ambos,
por ello Federico regresa en 1930 a Paris y los Monasterio a México.
Ya en 1934 ambos vuelven a coincidir exponiendo y vendiendo su obra en la GAM que por supuesto junto con Alberto Misrachi ayudaron a formar las colecciones de pintura y escultura mexicana mas importantes de los Estados Unidos ,en esa misma década Cantú decide instalar su atelier en Nueva York ( 1938-1941 ) a pesar de invitar a Monasterio a seguir la aventura, ellos solo seguirían en contacto por correspondencia.

En 1943 ambos dos fueron maestros fundadores de la Esmeralda y el Salón de la Plástica Mexicana. Es en esta época cuando Monasterio recibe por encargo
El desarrollar el Monumento a la madre mismo que le costo sangre sudor y lagrimas
Ahora sumamente dañada por el sismo de septiembre del 2017
Las aventuras monumnetales de ambos se cresaran en 1958 cuando Federico invita a Luis a formar parte de los maestros que legaran la estética del IMSS.



Si bien yo nací con la vocación del coleccionismo, es en 1989 con la muerte de mi  abuelo Federico Cantú, cuando como albacea de la Sucesión Testamentaria  Cantú Garza, mi vida toma un giro, al grado de incorporar dentro de dicha tarea , el análisis de las obras , la curaduría , la promoción , la restauración  y el análisis histórico de las mismas.


El Sentido del Coleccionismo ...
"Finalmente descubrí el objetivo de mi vida, el objetivo hacia el que se dirigirán todos mis pensamientos, esfuerzos y sentimientos. Y esa estrella que brilla ante mis ojos, en la noche de un mundo agitado y cambiante, esa estrella solitaria, lejana y tranquila, es Arte ".
“Joseph Mueller, fundador de una dinastía de coleccionistas de arte.”

También en  1989 Luis Ortiz Monasterio  paso a formar parte de mi interés, no solo por la belleza estética de su obra, sino que, el que fuera su Estudio de Escultura  se incluía dentro de los inmuebles de la sucesión testamentaria de Cantú

Casi una década despues Anita Monasterio se acerco a mi para pedirme asesoría en torno a cómo manejar el acerbo de Monasterio y de paso ver la manera de recupera el archivo personal de Monasterio y que por diversas cuestiones  se encontraba en el limbo jurisdiccional lo mismo que dos grupos de obras escultóricas .
Para  fortuna de ella, logre la recuperación de estos acerbos , pero apenas unos años despues, me toco recupera casi el acerbo total del legado Monasterio.



¡Que buen responsabilidad es poseer parte de la historia de nuestra nación!

Con todos estos antecedentes hoy, sumo mi experiencia a la recuperación de la obra Monumental de este gran maestro del pasado siglo.



Datos relevantes para analizar.

El proyecto del Monumento a la Madre,  es la conclusión de lo antes vivido por el artista .  Arquitectónicamente hablando, esta obra esta  basada en la obra del Arquitecto Pani. Mismo que solicitaría de Monasterio la serie de relieves que conforman el frontón de la Escuela Nacional de Maestros . Con esa disposición armónica , Monasterio decidió clocar como elemento central a la maternidad  y a sus constados, dos figuras que representa: La alimentación incluido el  concepto prehispánico del Maíz como elemento central de nuestra cultura y la educación representada por el libro .


Con el desarrollo de la edificación de la obra arquitectónica y escultórica
La visión conceptual de la idea creativa de Monasterio fue dando un giro en trono a la figura central que seria una ligera metamorfosis.  Si bien ,el vestuario fue respetado casi a cabalidad  desde la presentación de la primera maqueta ,  en la segunda  el centro se altero, cambiando la posición del niño ,que primeramente se presentaba de espaldas.  Consecuentemente al colocar de frente al niño la posición de las manos cambio junto con la caída del reboso,  que se teje entre los brazos de la madre y  a manera simétrica, decidió el artista desaparecer los alcatraces de la maternidad.  
También modifico el diseño de el trenzado, como también  la síntesis estética del peinado.
Lo mismo y basándose en una tercer maqueta, trazo una estética DECO, en lo que se refiere a la estética  figurativa del rostro de madre e hijo, de paso eso se reflejara en el trazo de los pies  de ambas figuras.



Con la idea de mostrar la trayectoria escultórica  de la obra Monumental de Monasterio, en 2016 y con la idea de presentar una nueva visión curatorial de la obra de Monasterio en el Salón de la Plástica Mexicana,  trabajamos una serie de fotografías de algunos detalles de lo que fue dicho monumento , estas fotografías que ahora incluimos a manera de detalles constructivos, sin duda ayudaran a entender mejor aun el desarrollo que de seguro ayudara a la pronta restauración, esperando que esta sea lo mas allegada a la obra hoy desaparecida





Para la Colección de Arte Cantú Y de Teresa es un compromiso el legado del Arte
Por ello cada año compartimos nuestro acerbo en diversos foros, fomentando el desarrollo de nuevas publicaciones, nacionales e internacionales y hoy el tema Monasterio no es la excepción.


Adolfo Cantú

Archivo documental Federico Cantú
Textos Adolfo Cantú
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miércoles, 4 de abril de 2018



Museo CYDT


STENDAHL GALLERIES
Founded, 1911
The two-house compound where author April lives on an avenue in the Hollywood Hills has been home to her husband's family business, Stendahl Galleries, since 1940. For twenty years prior, Earl L. Stendahl provided the finest examples of Impressionist and Modern art to the elite of Los Angeles collectors from his renowned galleries on Wilshire Boulevard. Stendahl was lured to the Hollywood neighborhood by collector Walter Arensberg, who, with Stendahl's help, amassed what was called by an art historian in 1950 "the most discriminating single group of twentieth century paintings and sculpture in existence."
Such was Stendahl's influence on the Southern California landscape, which began in 1911 and lasted well beyond his passing in 1966, when son Alfred Stendahl and son-in-law Joseph Dammann (already veteran dealers) carried on the business. Few remember that in 1939 Stendahl hosted one of only two non-museum exhibitions of Pablo Picasso's masterwork, Guernica, to benefit Spanish refugees. That historic showing was one of many pioneering efforts by Stendahl Galleries to bring important artworks to the attention of a public hungry for exposure to fine art.
Earl L. Stendahl was born in Menomonie, Wisconsin of Norwegian descent to a large family of confectioners. In San Diego, California, Stendahl began selling the works of local painters and opened his first gallery at the inauguration of the Ambassador Hotel in Los Angeles in 1921. Stendahl emerged as one of the most innovative and influential art dealers in Southern California. By the 1930s, the gallerist had established his reputation as the premier dealer in painters of the California Impressionist School. William Wendt, Guy Rose, Edgar Payne, Joseph Kleitsch and Nicolai Fechin were part of the early Stendahl stable of artists. Moving to larger quarters on Wilshire Boulevard, Stendahl introduced Modern art to the West Coast with works by Matisse, Chagall, Klee, Feitelson, Siqueiros, Cantú, Kandinsky, Braque and Picasso. In 1939 his gallery was one of only two non-museum venues in the U.S. to exhibit Pablo Picasso's masterwork, Guernica as a fundraiser for Spanish war orphans.
As early as 1935, Stendahl began promoting ancient artifacts from Mexico and Central America before branching out to become a significant dealer of the Pre-Columbian art of his day. Stendahl's son, Alfred E. Stendahl and son-in-law, Joseph Dammann, joined the family business. The gallery's archives were donated to the Smithsonian Institution's Archives of American Art in 1976.The Stendahl Gallery continues to operate, celebrating its centennial in 2011, with Earl Stendahl's grandson, Ronald W. Dammann, presiding

lunes, 2 de abril de 2018

Museo CYDT

ELOISE HARRIET STANNARD (INGLATERRA, 1829-1915) 
CANASTA CON FLORES Y NIDO.
Eloise Harriet Stannard was a British painter who was born in 1829. Numerous works by the artist have been sold at auction, including 'Still life of fruit, a bullfinch and a butterfly; and Still life of fruit on a silver salver with a jug' sold at Christie's King Street 'British Pictures 1500-1850' in 2006 for $39,792. The artist died in 1914.
An oil painting by Eloise Stannard, one of the Norwich School of Painters, has been sold for £40,000.
The picture shows three pieces of the historic Norwich Civic Regalia Silver and was painted in 1869.
"This stunning picture is one of the best quality paintings we've handled in our 40 years," said Roy Murphy from Keys auction house in Aylsham.
The painting was sold to a private bidder but Keys has confirmed that it will remain in Norfolk.
The painting was sold by Roy Benton, one of five siblings to inherit the painting from their late father, also called Roy.
"Apparently Eloise Harriet Stannard could be seen walking down Elm Hill carrying pieces of the Regalia she was loaned to paint," said Roy Benton.

"These are some of the most important pieces of silver in the country. Norwich has one of the finest collections of civic regalia. It's extraordinary," he added.

lunes, 26 de marzo de 2018

Museo CYDT


El siglo XVII fue de profunda crisis económica en la península; sin embargo, recibió el apodo de Siglo de Oro en el terreno religioso, cultural, artístico, literario, etc. La Reforma católica tuvo sus principales teólogos en España y sus postulados rigieron la codificación artística en nuestro país más allá que en cualquier otra nación del ámbito católico europeo. 


Los óleos encargados son con frecuencia de gran tamaño; emplean colores vivos y muy variados, resaltados por varios focos de luz que pro- vienen de todos los lados, contrarrestándose unos a otros, creando grandes sombras y zonas iluminadas. 
Los personajes aparecen en posturas muy dinámicas, con rostros y ges- tos muy expresivos puesto que el Barroco es la época del sentimiento. Las composiciones grandiosas, con personajes vestidos ricamente 
Los principales focos productores de pin- tura fueron las capitales Sevilla y Madrid por motivos económicos y administrativos. Los temas, como se ha dicho, son en su mayor parte religiosos. 
Por lo que se refiere al patronazgo de obras, o retablos, también se advierten algunas diferencias respecto al sistema practicado en la Península. Aunque sin embargo hubo encargos por la población española, tanto a nivel individual, como institucional. 
Quizá el mejor ejemplo que puede citarse del patronazgo artístico en la Nueva España durante la segunda mitad del siglo XVI sea el remozamiento de la primitiva catedral de México, con motivo de la celebración del tercer Concilio Provincial mexicano en 1585. 


Es trascendental evento eclesiástico a la luz de nuestro tiempo, cobra también particular relevancia desde otras perspectivas. En Primer lugar por la influencia que tuvo la religiosidad novohispana, pues no se olvide que si propósito fundamental era aplicar las decisiones derivadas del Concilio de Trento. 
En la Nueva España, como en el resto del Nuevo Mundo, a partir del siglo XVII, y en particular durante el siglo XVIII, el retrato 
En una sociedad caracterizada por el profundo sentimiento religioso del que es- taba imbuida, se esperaba que muchos retratos reflejasen las virtudes morales y la piedad del modelo. 

En la última parte del siglo XVII se caracteriza por la progresiva influencia de modelos rubensianos en los pintores novohispanos: un gusto por lo escenográfico y ampuloso, desdén por el riguroso dibujo y el empleo de luces y sombras drásticas para configurar composiciones, que en general solían ser bastante densas. 
El siglo XVIII había sido una etapa caracterizada por la intensa actitud defensiva que el imperio español tenía frente a una Europa que se volvía más poderosa y preconizaba ideas religiosas diferentes – lo cual conducía a una decadencia interna grave de las instituciones y al refugio en una retorica y un misticismo complicados y sensuales-, el nuevo siglo representa para España la integración a Europa mediante la instalación de la dinastía borbónica. 
l termino de Pintura Virreinal vino a ser el intento de organizar la producción artística, actualizar antiguas ordenanzas y legislar la contratación de artistas, con la pretensión de acabar con el empirismo. Pero ello solo pudo formalizarse en parte cuando, pasada la mitad del siglo (1753). 


Los principales focos productores de pin- tura fueron las capitales Sevilla y Madrid por motivos económicos y administrativos. 
Pioneros de tal producción fueron Joseph García en Querétaro y afirmante de un lienzo de San Nicolás de Bari con los tres infantes en el tonel, de 1713, y Barragán, acaso del área de Puebla, quien firmo cuatro pie- zas de la vida de San Antonio de Padua para un probable retablo del templo franciscano, que ahora guardan en clausura. 
Muchos otros prefirieron no firmar sus obras, por modestia o conciencia de su nula preparación. Así, los restos de un antiguo retablo en la Parroquia de Guadalcazar, con 
doce escenas de la pasión de Jesús, del que una se perdió; y las cuatro pechinas para el cubo interno de la torre en el templo franciscano de San Luis Potosí, donde se representa a cuatro pontífices (Sixto IV, Sixto V, Alejandro V y Nicholas IV). 
Este Movimiento popular tuvo importancia para el devenir del proceso artístico nacional porque prefigura el origen de una acentuada divergencia en la producción siguiente: por un lado, un arte sometido, con la vista puesta en México y, a través de lo ahí elaborado, en contacto retrasado con los medios vanguardistas europeos y, por otro, un arte desarrollado con pobreza de recursos y ambiciones pero con gran libertad. En pocas palabras, dos Méxicos: uno tradicional, proeuropeo o extranjerizante, a veces identificando con la reacción política, el orden, la disciplina, la ley y una administración elitista, a veces autoritario, y un México liberal, ideológicamente orientado a la emancipación política respecto 
La historia de México se constituye en las vicisitudes del proceso que se mueven tales corrientes. 



Avanza el siglo y se incrementa en la región una afición por el arte culto, proeuropeo y académico, que surge abundante y esplendido, pero a la vez el abundante arte popular se define consiguiéndolo logros que serán definitivos para la orientación de la pintura posterior 
La composición murillesca, ya plena de anticipaciones rococó, encuentra justa expresión en el afrancesado siglo académico 
de las piezas de arte señalare la técnica pictórica; esto dará oportunidad para comentar las innovaciones que se daban contemporáneamente en el ejercicio pictórico y las peculiaridades de algunos artistas. 

Abandonada casi por entero la utilización de madera como soporte de la pintura, uso que fuera común durante el siglo XVI y en cuya técnica, hasta donde sabemos, nunca hubo piezas en San Luis Potosí o, de haber- las, fueron perecederas, se incremento el empleo de lienzos y laminas, estas últimas de zinc, bronce y cobre, usadas con frecuencia por Cabrera, Morlete, Ybarra y miembros de sus talleres, especialmente para pequeños cuadritos de asunto devocional. 
La preferida en el periodo fue la tela por su ductibilidad, que permitió a los pintores múltiples ventajas, como fue el poder realizar composiciones de gran tamaño para cubrir grandes superficies de muros, satisfaciendo así las empresas decorativas barrocas y rococó del periodo conforme a demandas arquitectónicas fastuosas. 
Villalpando y otro anónimo, años atrás, cubrieron con enormes lienzos las cúpulas de la Catedral y el templo de Santa Inés, en Puebla, en tanto numerosos pintores pudieron decorar las pechinas de cúpulas con lienzos pintados. 
Para poder dar consistencia a la tela fue necesario desarrollar complejas técnicas que permitieran, por n lado otorgar solidez de apoyo a las capas de pintura y, simultánea- mente, evitar los desgarres del soporte. Ello se consiguió de diversas maneras, pero las principales fueron la aplicación de capas su- cesivas de agregados adhesivos gelatinosos o gomosos, como resinas vegetales o cola y algunas gomas minerales, junto a polvos calizos. Con ello, la tela venia a tener consistencia de lona gruesa y, sin embargo, con amplia flexibilidad ahulada diríamos hoy. 
Asegurada la firmeza del soporte, había que dar una base a las capas de pintura y para ello se extendían delicadas capas de blanco de España con yeso, a veces mezcladas con pigmentos, que otorgaban un color rojizo, o almagre, a tal base. Sobre esta última pin- taba el artista. 

Ya en este periodo, los colores, básicamente de origen mineral, eran cuidadosamente di- sueltos hasta conseguir la emulsión homogénea con diferentes aceites (nuez, linaza y otros). La Mezcla se aplicaba para integrar inicialmente un fondo uniforme, general- mente en tonos oscuros (sienas, azul oscuro, gris). Sobre esta capa, cuando había secado, delineaba su dibujo el pintor con tiza o yeso, bien directamente, según testimonios con- temporáneos al ejercicio de algún pintor, o aplicado un boceto de papel que, con los trazos delineados, permitía seguir su bosquejo en las líneas más fundamentales a modo de calca. 
comenzaba la ejecución pictórica propia- mente dicha. Inicialmente se pintaban las sombras y los colores oscuros, con pinceladas breves durante los siglos XVI y XVII, y con amplias zonas de color en el XVIII, hasta re- matar con las luces o zonas brillantes, que se dejaban para el final. Al terminar, y ya seco, se extendían finas capas de barniz en complejas aplicaciones para que dejara una capa uniforme. 
Como se comprende, la tarea del pintor era bastante esforzada y ocupaba mucho tiempo en la ejecución de una pintura. Esto propicio que el trabajo individual hubiera de ceder al taller, con un artista coordinador del esfuerzo de múltiples ayudantes. 
Los talleres en torno a los artistas más afama- dos de la época llegaron a ocupar numerosos aprendices. Solo así podemos explicarnos la obra de grandes series para decoraciones completas de templos y conventos, en lapsos menores a un año, como es el caso de las series de Vallejo para el Carmen potosino, el cual precisamente nos llevo a esta digresión. 





CYDT Collection 

viernes, 23 de marzo de 2018

Museo CYDT


Federico Cantú 1907-1989
Escultor
En la obra de Federico Cantú podemos admirar uno de los pocos ejemplos
donde los conceptos nacionalistas se combinan con las tradiciones mesoamericanas
presentes en su obra de caballete y mural.


Uno de los símbolos escultóricos mas importantes del siglo XX
Es sin duda la “Madona del IMSS” y que dígase de paso un logro ganado con
nuestra revolución la Seguridad Social .
La familia ( madre e hijo ) cobijada por la protección del Estado Mexicano-
Representado por el símbolo patrio  , Federico se refería a ella como
“Nuestra Señora de IMSS” la idea esta mas cercana a el concepto
donde el escultor fusiona la mexicanidad de la simbología Azteca ( el águila ) transformada en símbolo patrio y la virgen y el niño , que se encuentra mas cercana a las tradiciones  devotas del pueblo de México , toda una amalgama capturada de manera colosal en una figura que se repite a lo largo y a lo ancho y en todos los rincones del país .




En la capital, pocos sabemos sobre el origen de las instituciones de salud pública tan antiguas como lo es el IMSS, un organismo tan grande e importante que bastaría imaginar qué pasaría -en una ciudad con 8 millones de habitantes- si no existieran sitios como este donde las citas medicas, las intervenciones quirúrgicas y las medicinas son de carácter gratuito.

El Instituto Mexicano del Seguro Social es el organismo de seguridad social más grande de América Latina. Su fundación data a 1943, con una significativa misión que aparentemente aún prevalece entre su reglamentación: ser el instrumento básico de la seguridad social, establecido como un servicio público de carácter nacional, para todos los trabajadores y sus familias.
De carácter autónomo (esto es, que no es del todo dependiente del gobierno, sino que se rige por sus propias reglas internas), en esta institución se combina la investigación y práctica médica, la administración de los recursos para el retiro de sus asegurados y con mucha presencia el Arte; las múltiples expresiones sensibles de algunos artistas mexicanos que hoy en día sitúan a numerosas partes de nuestra ciudad como patrimonio cultural tangible.
En todos los grandes hospitales del IMSS podemos encontrar fascinantes obras de arte. Y a pesar de que no siempre se visita un centro de salud con fines museísticos, merece la pena recordar, en cada una de nuestras visitas, que grandes personajes como David Alfaro Siqueiros Diego Rivera, Federico Cantú, Fermín Revueltas, Francisco Zúñiga, Jorge González Camarena o Juan O ‘Gorman diseñaron estos espacios.

 

En el hospital de La Raza, por ejemplo, Diego Rivera realizó el mural El pueblo en demanda de salud, un impresionante relato visual sobre la historia de la medicina en México. Según un peculiar libro donde se resguardan todas las obras del IMSS, Rivera “partió de un profundo conocimiento de la medicina prehispánica, basado en sistemas curativos tradicionales y de herbolaria; continuó con la del virreinato hasta llegar a la medicina contemporánea, donde exaltó los avances científicos y tecnológicos”.
Las obras de David Alfaro Siqueiros las podemos encontrar en el auditorio principal de este mismo hospital y en el hospital de Oncología del Centro Médico Nacional Siglo XXI. En el primero encontramos su apabullante mural Por una seguridad social completa para todos los mexicanos, mientras que en el segundo el hermoso Apología de la futura victoria de la ciencia médica contra el cáncer.
Federico Cantú edificó algunos bajos relieves en piedra de nombre Las enseñanzas de Quetzalcóatl,  donde se sintetiza el mítico origen de las artes en Mesoamérica, apareciendo como figura central el Dios Quetzalcóatl (dios-pájaro-serpiente). Por otro lado Francisco Zúñiga se inmortalizó con Alegoría Médica, en el hospital Siglo XXI; una hermosa cronología visual de cuatro bloques que retratan a un minero en busca de aire en una atmósfera creada por Eolos; el dios del viento Ehécatl, rodeado de pulmones sanos; un médico atendiendo a un hombre con la tecnología más avanzada y a Quetzalcóatl, representado por una serpiente estilizada. Finalmente podemos percatarnos del mural Hidalgo libertador, de Juan O’ Gorman en el auditorio Benito Coquet en el CIESS.
 

En la obra Mural que dedica Federico a la imagen de Quetzalcóatl, muestra el legado del dios su dualidad terrestre y de planeta Venus, esta obra finamente labrada en relieve sobre piedra de Xaltocan fue realizada entre 1962 y 1963 , paralelamente  a la obra de relieve monumental de la Tira de la peregrinación Azteca en el IMSS de Naucalpan.
Durante el sismo de septiembre de 1985 el edificio de Pediatría del IMSS centro medico se vino abajo y con el esta obra monumental , fue a partir de 1986 y despues de la exposición homenaje a Federico Cantú Garza en el Palacio de las Bellas Artes , el entonces Presidente de la Republica Miguel de la Madrid decide la reubicación y restauración del relieve monumental , que se encontraba custodiado en fragmentos en el estacionamiento subterráneo del IMSS Centro Medico.
El taller escultórico de Federico Cantú fue el encargado de dicho restauro y el escultor en jefe fue Federico Cantú Elizarrarás ( nieto del artista ) y el proyecto ejecutivo a cargo de Federico Cantú Fabila ( hijo del Artista)

En el marco del 75 Aniversario de la fundación del IMSS
La colección CYDT presento en el IMSS Reforma algunos del proyectos monumentales que Cantú dedicara a dicha institución

Adolfo Cantú

Colección de Arte Cantú Y de Teresa
Text A Cantú



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lunes, 12 de marzo de 2018

Museo CYDT


La Madona en la obra de Federico Cantú 1907-1989





Una larga y fructífera evolución de formas en torno a la Madona
Grabado , obra mural , tinta , escultura , relieves …………

Dan forma a uno de los símbolos mas importantes de la estética Mexicana
Es Cantú uno de los mas grandes maestros que logra en su obra la síntesis 
Sacra y profana , Europea y mesoamericana , una fusión de identidad 
Prehispánica y Occidental fundidas a la para en una amalgama cultural
 En estas composiciones nos solo admiramos el estilo propio del maestro
de paso las imágenes cohabitan en la intemporalidad donde se extiende la creación Cantú

Adolfo Cantú
Colección de Arte Cantú Y de Teresa


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